Ogni artista che in passato ha esposto nella celebre “rotunda” del Guggenheim Museum di New York (disegnata come noto dal celebre architetto Frank Lloyd Wright) si è trovato a fare i conti con un’architettura che è già di per sé un’opera d’arte. Se questo memorabile spazio ha ispirato alcune incredibili installazioni site-specific di maestri del contemporaneo quali Nam June Paik, Jenny Holzer e Cai Guo-Qiang, oggi la sfida è rinnovata da una nuova mostra dal titolo Contemplating the Void: Interventions in the Guggenheim Museum, evento curato da Nancy Spector che sarà possibile ammirare fino al prossimo 10 aprile.

200 fra artisti, architetti e designer si sono cimentati con il celebre spazio espositivo, creando incredibili installazioni. E come ci si aspetterebbe da una così ricca selezione di artisti, il risultato finale è un’offerta creativa decisamente variegata. La mostra non segue alcuna logica se non quella di una potenza visiva dotata di una meravigliosa natura estetica. Tutte le opere in mostra sono numerate ma senza altre didascalie per non fagocitare ulteriore spazio, seguendo la numerazione è quindi possibile rintracciare sull’apposita guida di otto pagine chi ha fatto cosa. All’interno della mostra vi è però un tema dominante: l’entrata degli elementi naturali all’interno di uno spazio chiuso, cosa che rende il Guggenheim simile ad una grande serra. Alexander Gorlin Architects e SeARCH hanno legato l’elemento architettonico con le forme naturali mentre il collettivo N55 ha creato una sorta di Eden. Altri artisti come Odile Decq, Benoit Cornette Architects, Kimsooja, Ai Weiwei, Elmgreen and Dragset e Stefano Boeri hanno invece studiato la figura della spirale, riflettendola, distorcendola ed esagerandola, ponendo così in risalto la geometria sensuale del museo.

Ma c’è anche spazio per proposte accattivanti e fuori dal comune, come quella di Pipilotti Rist che ha creato delle gigantesche labbra vaginali complete di clitoride mentre una enorme piuma rossa creata da Anish Kapoor fluttua nello spazio catturando l’attenzione degli spettatori.  Ma tra le soffici creazioni di Tashiko Mori e gli intricati oggetti di Vito Acconci la lista delle cose da vedere è ancora lunga. Se potete fate un salto al Guggenheim e non ve ne pentirete.

Il progetto originale è stato commercializzato dalla Microsoft con il nome di Photosynth ed è in sostanza un portale dove gli utenti possono caricare una sequenza di alcune centinaia di foto che poi formano una scena tridimensionale. Ora però gli scienziati sono al lavoro per ampliare le capacità del programma, permettendogli così di immagazzinare milioni di foto per poi creare un modello tridimensionale di tutte le città del mondo. Ovviamente l’impresa è decisamente titanica e servirebbero centinaia di milioni di dollari di fondi per raccogliere miliardi di immagini che poi andrebbero a costituire l’armatura dei modelli tridimensionali.

Per risolvere questo problema tecnico gli scienziati hanno pensato bene di chiedere l’aiuto del pubblico ed hanno cioè creato il Photocitygame. Si tratta di una sorta di gioco a squadre per ricostruire il mondo intero in 3D, gli scienziati di volta in volta pubblicano alcune locations sul sito (per adesso ci sono l’università di Washington, il celebre quartiere Harlem di Manhattan ed altre locations) e chiedono agli utenti di fotografare tutti gli edifici di quella location da ogni visuale possibile.

Le foto inviate dagli utenti vengono poi elaborate da un software che successivamente crea un modello tridimensionale della location in questione. Magari in un futuro non lontano potremo visitare i più grandi musei del mondo ed ammirare le loro collezioni senza spostarci da casa. Per adesso noi di Globartmag preferiamo ammirare una statua di Michelangelo dal vivo che far ruotare con il mouse un freddo modello in 3d sul computer.

Anche se progetto è top secret, alcune voci di corridoio affermano che la struttura sarà asimmetrica e somiglierà ad una serie di anelli interconnessi che ben si accosteranno alle sinuose curve dell’Acquatics centre disegnato da Zaha Hadid (che sorge proprio vicino a dove sarà eretto il monumento) e ben rappresenteranno il logo a cinque anelli delle Olimpiadi. La scultura prevede anche degli ascensori per i visitatori che potranno ammirare la metropoli da un’altezza ragguardevole. All’interno dell’opera sorgerà anche un ristorante. Come lo Skylon, la futuristica struttura costruita nel 1951 per il festival della Gran Bretagna, l’opera di Kapoor cambierà in modo sostanziale il volto della città e contribuirà  a dare una sferzata di ottimismo per emergere dalla recessione. In realtà Anish Kapoor non ha ancora vinto il concorso pubblico per la realizzazione del monumento ma sembrerebbe favorito rispetto al suo unico contendente Antony Gormley, celebre per le sue figure in ferro.

L’art dealer Barbara Gladstone che rappresenta Kapoor a New York ha dichiarato: “E’ un design estremamente esuberante ed è un’opera adeguata ai nostri tempi perchè sfrutta le più moderne tecnologie. Se si pensa alla torre Eiffel ed alla sua futuristica struttura si scopre che prima del 1889, con le conoscenze dell’epoca, non si sarebbe mai potuta costruire”. L’opera di Kapoor sarà la più grande di tutta Europa e batterà anche la statua di Pietro il Grande di Mosca di poco più piccola, costruita per celebrare il 300esimo anniversario della Marina Militare russa nel 1998. Per adesso comunque Gormley è ancora in ballo, il vincitore sarà rivelato il mese prossimo, vedremo chi sarà.

Il principale ed immortale contributo di Le Corbusier all’architettura moderna consiste nell’aver concepito la costruzione di abitazioni ed edifici come fatti per l’uomo e costruiti a misura d’uomo: “solo l’utente ha la parola”, afferma in Le Modulor, l’opera in cui espone la sua grande teorizzazione. Questo concetto sembra però cozzare contro la realtà dei fatti. Sono stati in molti a sollevare polemiche riguardo alla teca progettata dall’architetto Richard Meier che protegge, nel cuore del centro storico di Roma, l’Ara Pacis. La teca è stata definita dalla popolazione “uno stabilimento balneare” o “una stazione di servizio“.

Questa notizia non vuol fare del populismo ma vuole solamente portare alla luce un fatto oggettivo più volte ignorato dalle amministrazioni di tutte le città del mondo. Dal sondaggio effettuato da Virtualtourist si apprende inoltre che tra i dieci edifici disgustati dal pubblico figurano: Il Centro Pompidou di Parigi di Renzo Piano, Gianfranco Franchini, e Richard e Sue Rogers, Il Morris Mechanic Theater di Baltimora progettato dall’archistar John Johansen edificio talmente brutto che anche il suo proprietario ha dichiarato: “Non ho mai conosciuto nessuno a cui piacesse” ma gli esperti sono concordi nel definirlo un capolavoro.

Tra gli odiati anche il Royal Ontario Museum di Daniel Libeskind definito oppressivo, angustiante ed infernale dalla stampa locale. Ovviamente la lista sarebbe ancora lunga ma vorremmo portarvi un esempio: l’inghilterra ha da poco effettuato un grande sondaggio per stabilire l’edificio più odiato di tutta la nazione. Il primo in classifica è risultato il Waterfront di Bournemonth, un complesso conosciuto come Imax che non ha mai funzionato a dovere e che non è mai piaciuto al pubblico. Prossimamente il governo, grazie all’aiuto della popolazione, demolirà questo edificio. Forse sarebbe il caso di estendere questa iniziativa ad altri stati, compreso il nostro. Voi cosa ne pensate?

Tale spazio rappresenterà la prima location del Triennale di Milano negli Stati Uniti e la terza in assoluto. Il museo ha infatti aperto nel 2006 un avamposto in Giappone mentre a Milano la sede è stabile da 90 anni. Il nuovo museo dovrebbe aprire a maggio con l’intento di coincidere con la Fiera internazionale del Mobile Contemporaneo. Le dimensioni saranno così suddivise: 10.000 metri quadrati di spazio espositivo, 3.000 metri quadrati di cafè e ristorazione e 3.000 metri quadrati di bookshop.

Nel frattempo sempre negli States continua la telenovela di Jeffrey Deitch ed il MOCA di Los Angeles (vedi nostro precedente articolo). La direzione del museo ha infatti dichiarato che il contratto del nuovo direttore prevederà alcune clausole contro il conflitto di interessi. Deitch infatti possiede una galleria commerciale (la Deitch Projects che abbandonerà si dice molto presto) e c’è il pericolo di speculazioni poichè il direttore potrebbe far esporre i propri artisti “amici” nel museo per far rialzare le loro quotazioni.

Secondo il consiglio del MOCA, Deitch dovrà rendere nota ogni sua mossa e sarà presa ogni misura per evitare tempestivamente ogni conflitto di interessi. C’è da dire che anche se Deitch abbandonerà la sua galleria, continuerà comunque a mantenere saldi i contatti con collezionisti, artisti ed addetti al settore. Staremo a vedere.

L’edificio giunge a noi in 21esimo secolo impoverito dalla crisi economica dove il primato di edificio più alto del mondo è divenuto un noioso cliché che infastidisce per la sua insulsa opulenza oltre che risultare offensivo se messo in relazione con povertà che ci circonda. Di questo negli Emirati Arabi se ne sono ben resi conto visto che pochi giorni prima della fine dei lavori Dubai ha dovuto mettere i suoi creditori in attesa, segno evidente che gli eccessi della nazione sono giunti al capolinea. Il sistema che ha prodotto la Burj Khalifa sta ormai cadendo in pezzi e questo dovrebbe far riflettere le frotte di Archistar sempre pronte a realizzare edifici stravaganti e sfarzosi che oramai non hanno più senso all’interno di tessuti urbani sempre più poveri e sconnessi. La Burj Khalifa Tower è un dinosauro, il simbolo supremo di un’architettura contemporanea frutto di una mentalità superata che oggi come non mai appare incredibilmente fuori luogo. Per portare a termine il progetto Dubai ha ingaggiato Skidmore, Owings and Merrill, archistars di Chicago quotati e rispettati ma il risultato è stato un edificio freddo e proletario, una sorta di casa rapida contemporanea che trova nelle dimensioni il suo unico primato architettonico. Ma non è mistero che anche la più grande meraviglia architettonica della terra farebbe fatica ad inserirsi in una città cacofonica come Dubai, dove ogni edificio sembra estraneo al suo prossimo in un caos architettonico senza fine.

Questo dovremmo evitare, noi che in Italia vorremmo costruire nuvole di cristallo a Roma e pensiline agli Uffizi fiorentini per scuotere l’opinione pubblica e dare nuova linfa (ne abbiamo davvero bisogno?) ad architetture vecchie di 500 anni. Dubai insegna che il futuro può essere già obsoleto e con tutti i soldi del mondo si può essere infinitamente poveri.

Photo Copyright: Ahmed Jadallah/Reuters

La mostra dal titolo Bauhaus 1919-1933: Workshops for Modernity ripercorre i fasti del mito mediante più 400 lavori di artisti e designers come Paul Klee, Wassily Kandinsky, Marcel Breuer, Marianne Brandt, Anni Albers, Josef Albers e Laszlo Moholy-Nagy, fino alla tragica fine del Bauhaus quando nel 1933 la Gestapo chiuse definitivamente i battenti. Questo è quanto sapevamo sin ora ma durante il passato autunno una mostra al Neue Museum di Weimar (città dove nacque la Bauhaus) ci ha raccontato una storia ben diversa, rivelandoci il nome di Franz Ehrlich, artista ed architetto frequantatore della Bauhaus che in seguito applicò l’estetica della celebre scuola sui campi di concentramento nazisti. Franz Ehrlich che studiò assieme a Moholy-Nagy, Klee, Kandinsky e Josef Albers, cominciò a lavorare per il Terzo Reich come prigioniero a Buchenwald ed in seguito, dopo il rilascio, continuò la sua collaborazione con il regime Nazista. E’ impossibile sapere se Ehrlich fu un collaboratore, una vittima, una persona costretta a lavorare o qualcosa del genere. La sua storia non è chiara come molti cittadini tedeschi del tempo ma una cosa è certa, l’architetto mise il Bauhaus-pensiero al servizio della Germania Nazista.

Erlich fu arrestato per comunismo nel 1935, arrivò a Buchenwald due anni più tardi quando il campo era ancora nuovo con alcune strutture temporanee. Come tutti i prigionieri fu impiegato nei lavori forzati ma dopo due settimane entrò in un cantiere aperto del campo dichiarando di essere architetto e di aver lavorato nell’ufficio berlinese di Walter Gropius. Invece essere denunciato alle SS fu incaricato di disegnare e costruire i cancelli di ingresso del campo di concentramento. Fu quello l’inizio di una nera collaborazione. Nella foto potete ammirare(per così dire)l’ufficio di un ufficiale delle SS disegnato da Franz Ehrlich.

Ai WeiWei ha così spiegato questa insolita scelta:”il mio intervento esplora il metabolismo di una macchina vivente, l’edificio non è completamente statico: il contenuto delle due piscine viene infatti continuamente sostituito ma i visitatori non possono notarlo, il movimento è impercettibile. Controllare il livello di latte e caffè all’interno delle piscine sarà come tenere in vita un corpo in uno sforzo contro aria e luce”. Le piscine sono state riempite con 65 tonnellate di latte e 15 tonnellate di caffè che saranno tenute all’aria aperta.  L’intervento fa parte di una serie di installazioni che artisti ed architetti provenienti da ogni parte del mondo hanno creato e creeranno all’interno dello spazio museale. Tra i nomi di coloro i quali hanno già modificato gli spazi del Mies van der Rohe figurano Antoni Muntadas, Jeff Wall, Dennis Adams, gli architetti Enric Miralles e Benedetta Tagliabue; ed il SANAA team, formato dagli architetti Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa. Ai Weiwei ha più volte messo in difficoltà il regime cinese, specialmente dopo il terremoto del Sichuan nel 2008, a causa del suo spirito belligerante ha subito negli anni diverse critiche da parte del mondo dell’arte contemporanea.

Le sue opere abbracciano varie tecniche artiste come installazione, scultura, fotografia ed architettura. Nel 2000 ha curato a Shangai la mostra Fuck Off che è stata fatta chiudere dalla polizia. Oggi però il buon Weiwei ci invita a far colazione con la sua opera dal titolo With Milk find something everybody can use.

Centinaia di tonnellate di acciaio e piloni immensi costruiti in una fabbrica di Rotterdam, queste sono le caratteristiche del nuovo ponte di Dublino dedicato al genio di Samuel Beckett. L’enorme costruzione è la nuova opera del celebre archistar Santiago Calatrava che di ponti (e di polemiche) ne ha fatti già una bella scorpacciata. La stravagante struttura è giunta da Rotterdam in barca ed è stata successivamente assemblata nella città irlandese, certo la bizzarra situazione ben si adatta alle surreale anima del teatro di Beckett. Questo è il secondo ponte di Calatrava a Dublino, il primo del 2003 fu dedicato a James Joyce.

Il Beckett Bridge è tecnicamente interessante. La sua struttura è agganciata tramite cavi a dei piloni di 40 metri e possiede ben due corsie per il traffico stradale, un apparato idraulico permette al ponte di ruotare di 90° orizzontalmente per permettere il passaggio di eventuali imbarcazioni. Per quanto riguarda l’aspetto estetico Calatrava si è ispirato all’arpa celtica peccato che alcuni giornali locali hanno definito l’architetto uno showman piuttosto che un grande designer. Spostiamoci ora un poco ad est e parliamo della Royal Academy di Londra. Venerdì scorso i visitatori hanno potuto ammirare per l’ultima volta la mostra di Anish Kapoor (di cui vi abbiamo ampliamente parlato in un precedente articolo), il museo è rimasto aperto fino alla mezzanotte e gli ultimi avventizi sono riusciti ad entrare gratuitamente. Dalla sua apertura nel mese di settembre la mostra è stata visitata da 275.000 persone, un vero successo che rappresenta il più alto numero di presenze fatto registrare da una mostra di un artista vivente a Londra.

Il problema è ora rappresentato dalle operazioni di pulizia della sala perché Kapoor ha riversato centinaia di chili di cera ovunque ed anche sul soffitto sono visibili cospicui rimasugli di cera rossa sparata dal cannone installato dall’artista. Secondo la direzione del museo non dovrebbero esserci problemi e presto le sale torneranno linde e pinte, noi invece ci chiediamo quali saranno i metodi di pulizia contro uno dei materiali più odiati dalle massaie di tutto il mondo, forse verranno impiegati metodi tradizionali come carta e ferri da stiro giganteschi.

La dimensione dell’installazione ( circa 3 metri quadrati) è altamente simbolica poichè una tonnellata di anidride carbonica rappresenta la quantità prodotta dalla popolazione di una nazione industrializzata al mese. A causa delle attività umane, la quantità di CO2 scaricata nell’atmosfera sta aumentando intensamente durante gli ultimi 150 anni. Va detto che Insieme all’idrogeno, l’anidride carbonica è il principale gas serra (responsabile dell’effetto serra). Mia Hanak, direttore della Millenium Art ( una delle organizzazioni che ha supportato la costruzione del CO2 Cube) ha recentemente dichiarato ai microfoni della stampa: “La maggior parte della conferenza sul riscaldamento globale si svolgerà a porte chiuse. Volevamo quindi far in modo di portare questa importante tematica all’esterno dei palazzi e di avvicinarla alla gente”. Tra le altre organizzazioni promotrici del progetto figurano il dipartimento di publica informazione delle Nazioni Unite, Obscura Digital, Google e Youtube. I turisti che in questi giorni visiteranno Copenhagen potranno fruire l’installazione da un molo che circonda il perimetro del CO2 Cube e ammireranno così la superficie esterna dell’opera che funge da schermo dove verranno proiettati numerose opere di video arte, news ed altri contenuti web.

Ovviamente il progetto, stando a quanto dichiarato da Cristophe Cornubert, è privo di emissioni di anidride carbonica e lo schermo dove saranno proiettati i video non si avvarrà della corrente elettrica prodotta dalla centrale locale. Gli organizzatori hanno confermato la presenza del Cube alla prossima Shangai World Expo 2010 è in programma anche un tour delle maggiori città degli Stati Uniti ma per ora le date non sono state confermate.